精細風景畫
⑴ 17世紀荷蘭風景畫靜態畫
風景畫家
爭得自由和獨立的荷蘭人，熱愛他們生活的國土，喜歡描繪祖國風貌的繪畫作品。在這種形勢下，一大批風景畫家應運而生，通過他們的努力，荷蘭風景畫得到蓬勃發展。像其它體裁的畫家一樣，這些畫家各有其擅長的領域，每個人往往守住他那受歡迎的題材，在這個范圍內反復挖掘。我們知道，在17世紀從事理想風景畫創作的法國畫家和義大利畫家，都是在畫室中憑記憶或速寫稿繪制風景畫的。荷蘭的風景畫家，盡管更忠實地表現自然的本來面目，但也是在畫室中從事創作的，真正面對實景寫生創作，那是很久以後的事。
戈延(Jan van Goyen,l596--1656)是第一代風景畫家中的佼佼者，他擅長表現江河景色。他的名作《鄉村景色》(約1645)，真實地再現了荷蘭的自然風貌。雲天占據著大部分畫面，壓得很低的視平線把觀眾與河邊景象拉近了，這種構圖方式，成為荷蘭風景畫中常見的手法。
與戈延同屬一代的薩恩列達姆(Pieter Saenredam,l597--1665)是一位很特殊的畫家。絕大多數風景畫家描繪的都是露天的自然景色，當他們表現建築物時，往往也是描繪它們的外觀。薩恩列達姆卻與此不同，他喜歡表現建築物內部。一看他那四壁潔白的《聖巴沃教堂》(1660)等作品，就會對崇尚簡朴的荷蘭新教精神有所體味。在這樣的環境中，無法產生義大利那樣的美術。薩恩列達姆精於再現建築空間的才能，在他一系列描繪教堂內景的作品上得到了充分發揮。
荷蘭風景畫全盛時期的代表人物，首推勒依斯達爾(Jacobvan Ruisdael,1628/1629--1682)和他的學生霍貝瑪(Meyndert Hobbema,1638--1709)。
勒依斯達爾生在哈萊姆城，1657年移居阿姆斯特丹，在那裡，他收了一批弟子，其中就包括霍貝瑪。勒依斯達爾描繪的題材較為多樣，在那些運用並不算怎麼豐富的色彩描繪的風景畫中，他生動地傳達出變化中的自然形態、光線、氛圍，並把主觀感受融入客觀景物。《哈萊姆風光》(約1670)以開闊的構圖展現出這個城市郊外的景緻，高遠的天空上移動著層層雲片，陽光從雲隙間投射下來，使地上的景色具有了強烈對比，整個作品於生動中洋溢著一種戲劇性感覺。
←《韋克的風車》(1665)
跟著名的老師相比，霍貝瑪的繪畫顯得更加平和。他的代表作《米德爾哈尼斯林蔭道》(1689)具有古典式的均衡和明晰，構圖處理有力地表現出空間的推移，使人獲得身臨其境的感受，成為運用透視法的典範。
←《米德爾哈尼斯林蔭道》(1689)
靜物畫家
作為獨立的繪畫品種，靜物畫是在17世紀才確立和流行起來的。雖然早在古羅馬出現過靜物畫，但繼承古典傳統的文藝復興時期的義大利畫家，從沒把它當作一回事。在這種態度影響之下，17世紀的許多畫家仍然很少從事靜物創作，只有荷蘭情況不同。由於熱愛家庭生活的荷蘭人對與此相關的物品感
興趣，促使不少荷蘭畫家投人靜物畫創作，從而使這個繪畫體裁在美術史上佔有了一席之地。
在哈萊姆工作的克萊茨(Pieter Claesz，1597/1598--1661)和海達(Willem Claesz Heda,l599--1680/1682)是描繪餐桌物品的名家，他們以精細的筆法表現出玻璃酒杯、金屬盤盞、餐刀及各種食物的形狀和質感。前者的《早餐用品》(1637)和後者的《靜物》(約1648)，能讓人看到他們的共同特色。
比他們略為年輕一些的黑姆(Jan Davidsz de Heem,l606--1683/1684)，也是位著名靜物畫家。同前述兩位畫家相比，他描繪的題材比較廣泛，構圖處理上更為輕松。
生於鹿特丹的卡夫(Willem Kaif,l619--1693)或許是荷蘭靜物畫家中最傑出的人物。他主要是在阿姆斯特丹從事創作活動的。卡夫的作品以善於用光布色著稱，整體上更加概括單純，從某種程度上，彷彿綜合了倫勃朗和維米爾的一些特點。
順便說一句，倫勃朗並非靜物畫家，但他筆法道勁的《剝皮的牛》(1655)卻是靜物畫的傑作，從中流溢出來的戲劇性激情和紀念性氣勢，都是上述靜物畫專家無法企及的。
⑵ 有什麼風景名畫
中國的有：張擇端的《清明上河圖》 曹雪芹的《芹溪蘭草圖》董源瀟湘圖元人黃公望著名的「富春山居圖」卷、
世界的有：Joseph Mallord William Turner. 透納 以及 康斯太勃爾的系列作品都是著名風景畫。
透納：《海上漁夫》
《海上漁夫》便是透納在皇家美術學院年展（1796年）上展出的首幅油畫作品。那時，21歲的透納已經憑他的古典風格水彩地誌畫小有名氣，也頗受英國藏家喜愛。可年少心雄的他認為要確立畫家名聲，必要創作更成熟的油畫。《海上漁夫》中漁船所在的位置是英國南部海岸線外的威特島。透納於1795年走訪過該島，畫了大量關於海岸的速寫和水彩畫並收錄於《威特島速寫集》。但少有人知道他曾悄悄創作下這樣一幅技法和質量都不容忽略的油畫。「船隻在海面上自然漂浮、搖曳，水波盪漾，效果逼真。」當年在皇家美術學院展覽評論導讀中，這幅畫因其自然主義的特色而獲此贊譽。而細心的人還會欣喜地發現，在這幅早期的油畫上已經出現了「透納式」的劇烈漩渦結構的跡象。
《暴風雪：漢尼拔和他的軍隊越過阿爾卑斯山》
不滿足於水彩畫小寫意的透納，同樣不甘心於單純地把筆觸瞄向自然。他一度醉心於借風景畫表現歷史甚至神話題材，在一個濃重的歷史故事中拓展放浪不羈的想像。 那幅曾受世人矚目的《暴風雪：漢尼拔和他的軍隊越過阿爾卑斯山》，無疑是這次展覽最值得期待的。 這幅創作於1812年的畫作展示給我們的絕對是一幅驚心動魄的畫面：巨大的雪崩從天而降，明亮刺目又勢不可擋，粗壯古老的巨樹被摧殘成殘缺的樹根橫亘前景，延展的地平線上隱約看到傳奇的大象。透納描述了漢尼拔士兵和大象企圖在一場災難臨頭的暴風雪中翻越阿爾卑斯山的驚險場面，靈感則來自他1802年的一次阿爾卑斯山之旅。構圖呈排山倒海的翻騰趨勢，造成令人目眩的劇烈運動感，而急速的筆觸彷彿令人幻聽到轟隆的雪塊崩塌的巨響。在畫前不禁讓人聯想到漢尼拔征戰羅馬的歷史，翻越阿爾卑斯山之後9萬步兵、1萬2千騎兵和幾十頭戰象組成的漢尼拔的大軍，只剩下2萬步兵，6千多沒有馬的騎兵和一頭戰象。
不過，最能體現透納藝術成就，卻也最引人爭議的是他晚年階段的創作。生性富有幻想、帶有凝重浪漫主義氣質的透納，年齡大了以後，卻變得有些偏執，和人很少交往。最常做的事，便是一個人走出門去體驗自然世界，再關起門來作畫。
《諾哈姆城堡:日出》
雖然這個階段，終生未婚的透納，因為父親的去世已經患上了輕微的抑鬱症，並隱姓埋名住在情人的鄉間茅屋裡，可他卻從未停止過作畫，而且更加放縱色彩的運用。 《諾哈姆城堡:日出》和《日出:一艘船在海岬之間》，《風雨和速度-西部大鐵路》等一系列作品中，畫面已然成了抽象的色彩符號，幾乎很難辨別出物體的輪廓。緊張的色調和瞬息的光影令畫中物象隱身於海天、天地之間。大衛·皮派爾曾在《圖說藝術史》一書中稱他晚期的作品為「奇異的謎團」。然而恰是這個「謎團」，使透納不僅躋身於英國畫家的前列，而且對後來法國的印象派、抽象派繪畫都產生了巨大的影響。
康斯太勃爾：乾草車
《乾草車》 是康斯太勃最著名的代表作。畫面描繪了一輛運乾草的馬車，涉過一條淺溪，往林木深處的 《乾草車》約翰·康斯太勃爾[1]田野走去。沾滿露珠的樹葉，閃爍著白色的反光；木柵圍著的農舍，親切樸素；淳樸的農人，肆意奔跑的小狗。這一切是如此自然、真實，充滿愛與美感，沒有一點矯揉造作。正如著名詩人和畫家布萊克所說：「這可不是對自然的寫生，這是靈感!」
《乾草車》
1824年康斯太勃爾向在巴黎的世界博覽會送去三幅作品參展：《漢浦斯戴特的荒地》、《英國的運河》和這幅《乾草車》，轟動了整個巴黎美術界。這次展出對法國畫家影響很大，其中最激動的是德拉克洛瓦。
在康斯太勃爾的畫中，由於細小色塊的並列所形成的對比關系，在不同的距離出現了強烈而統一的色彩，並且產生了振動的效果。德拉克洛瓦曾在日記中這樣寫道：「康斯太勃爾說他的田野中的綠色的特點是由許多不同的綠色產生的。一般風景畫家的綠色的強度所產生的缺點是因為他們只用一種統一的綠色的緣故。他所說的田野中的綠色同樣也適用於其他的色調。」這幅畫是康斯太勃爾描繪田園風光的代表作品。以他的絢麗而渾厚的色彩，抒情詩般的筆觸色調和真實的描繪令人陶醉。從深遠透明的雲層中透現出來的陽光灑在樹梢和綠草地上。近景著重描繪農舍和古樹及一條小河流，一輛大車正涉水而過，引得小狗狂吠。這幅的天空畫得極美，透明滋潤，不同色彩的雲朵像天鵝絨似的在天際飄浮滾動，清澈的河水中映出美麗的天空、古樹和房舍，更加增添了鄉村的恬靜，整個畫面充滿陽光，充滿農村的生活氣息。
白馬
《白馬》約翰·康斯太勃爾[2]康斯太勃對自己的創作是這樣解釋的： 「我生來就是為了描繪更幸福的大地——我的古老的英格蘭」。正是出於對祖國的愛，才能創作出像《乾草車》這樣充滿感情的作品。他正是以這種清新、自然的風格向僵死的學院派古典主義挑戰。他的其它作品還有《白馬》、
《斯特拉福特磨坊》、 《水閘》、《斯托爾小景》、 《滑鐵盧大橋的揭幕典禮》等。他在56歲時所作的《滑鐵盧大橋的揭幕典禮》一畫中，大膽地使用了十分鮮明的色彩，以求表現光和影的效果，被認為對印象畫派有重要影響。此後，由於健康日益惡化，他只能從事水彩畫。1836年，他向皇家美術學院送去了最後一幅油畫《克利奧頓紀念碑》。1837年3月31日，因心臟病猝發而與世長辭。
《斯陶爾河旁的費來福磨坊》 《斯陶爾河旁的費來福磨坊》[3] 《斯陶爾山谷和泰德漢村》康斯太勃爾[4] 大自然是康斯太勃爾最好的老師，他認為繪畫要有真實感，唯一隻有向自然學習。看得出這是一幅對景寫生的畫，在他以前的那些英國風景畫家中，還沒有一個人象他這樣把畫架擺在那些平凡而誘人的景色面前，用充沛的熱情去描繪多彩多姿的大自然:急速飛動的朵朵白雲、池塘邊的房舍和玩耍的孩子，喚起了人們熱愛生活的情感。
《斯陶爾山谷和泰德漢村》
早在童年時代，故鄉的美麗景色已經啟發了康斯太勃爾，他曾竭力用畫筆把它們描繪。他曾這樣回憶故鄉： 《威文侯公園》約翰·康斯太勃爾[5]「四周美麗的景色，緩和的斜坡、散布著牛群和羊群的肥沃草地、耕耘得很好的高地、村莊和教堂、田園和茅屋、樹林和河流，所有這一切，給予這個特殊的地方以任何地方也難找到的那種優雅和美麗。我的童年時代所處的這種景色使我成了一個畫家。」這幅畫中的景色不僅展現了畫家故鄉的美，也寄託著對故鄉的深情。
《威文侯公園》
在康斯太勃爾的畫中，大自然是以它本來的正常狀態而出現的。質朴、誠實和真實是它的特點，他從來不夢想著去描繪或者追求他沒有見到過的和完全不理解的東西，他喜歡描繪緩慢飄動的雲彩，它那寧靜的、透明的淡藍色的天空充滿大氣的美妙。從雲層里透現出的陽光灑在大地上、濃密的林木，斜坡上綠茵茵的草地，悠閑吃草的乳牛群，水面上戲水的鵝，漁民在撒網，這一派令人陶醉的景色雖不是天堂卻勝似天堂。在這幅畫中陽光和空氣已成為畫家探求和描繪的主體。 《漢浦斯戴特的荒地》約翰·康斯太勃爾[6] 《漢浦斯戴特的荒地》
康斯太勃爾喜歡畫藍天白雲下田野的景色。他在畫天空時，總是記下日期、風向和時間，因此他畫的天空不是簡單的色綵排列，而是具有生命的形象，他說：「天空應該而且將成為構圖的有效部分。如果天空不是主調，不是情感的主要器官，就很難評價風景畫的高低了。」這是一片天空佔主體地位的具有廣闊視野的景色，起伏層疊的丘陵地帶，高低不平的無規則的坡地已有許久無人問津，任人踐踏，但它仍然蘊含著生命。畫家運用精細的筆觸和色彩真實地描繪了不同對象、不同質感的荒地壯貌，又以流暢起伏的曲線畫原野，令觀者心曠神怡。
⑶ 素描風景怎麼畫有什麼方法和技巧
素描的表現方法有二大類 1:根據物體的結構，著重要線條作畫，叫線描 2:著重用光線明暗表現，叫明暗素描。 1:素描用具：
紙和畫版：畫版要略有斜的堅在你前方,距離要合適要眼睛能夠正好看到整個畫面，而且視線能夠正好看到畫的中心 紙：不光滑，略粗糙，質地堅實的紙張
鉛筆：打輪廓要B或2B鉛筆,鉛筆數越多畫起來越濃，所以暗部用濃鉛(也叫軟鉛)，明部也叫淡鉛(也叫硬鉛) 繪亮部可以用H,HB.灰部可以用：HB,B
暗部用：2B，3B，4B。 橡皮：要求：質地柔軟不宜擦傷紙張的那種。 畫得濃的地方可以用橡皮輕輕的吸淡一點。
高光部分用擦，粘的方法提亮畫面，反光部分用橡皮輕按，使其淡化，達到所需效果。
線條畫的不夠准確，不要忙著立即用橡皮擦掉，而應仔細修改，修改好了再用，在把不用的線條擦去。 畫架，畫板： 畫板要求：板面平滑，重量適中。
畫架要求：以穩，結實為選購要求。 使用要求：在使用時畫架傾斜度不易過大，作者應距畫面一臂的距離。
執筆方法：用大拇指和食指把筆握穩，其餘三指在筆下邊，筆尖與畫指要保持一個斜面，只有刻畫精細部位的時候， 才象平時寫字那樣執筆和運筆。 2:明暗
a:分為三個部分：亮面，灰面，暗面 b：怎樣畫好明暗。 a:如果是細畫，可以先用硬度大的畫，然後逐步換硬度大的筆畫，這樣就可以 體系出重疊，層次，深淺。
b:畫線條的時候，線條間的距離大一點，如果每畫一片的時候 ，線條間的距離就會縮小。 C:鉛筆削得越尖越好，畫出來越有明暗感。 3:怎樣排線：
a:排線時候，方向一致，一筆一筆的畫，疏密適當 b:要輕起輕收，使線條二頭輕中間重，這樣做的話有利於排線之間的銜接
c:畫物體的時候，一般是先用從物體的輪廓線向中間排線，然後再用斜線整和， 注意：斜線是有方向的，一般是向右邊斜，因為這樣符合人的視線從左到右的習慣
但是在畫象球的時候，他的邊緣線排線的時候是變換方向的 d:排線的方向要適當考慮物體的塊面結構 e:畫暗的部分，要變換排線方向，一層一層加深，不要亂塗
f:畫畫的時候，一般是先畫它的投影面在畫它得暗面：因為投影面比暗面更暗 畫畫一般從最暗的部分畫起，這樣有利於它的造型，
g:畫一個物體的是在它的邊緣也要向它的物體的外部空間排線，因為這樣也是有利於突出它的立體感
h:一個物體即分大部的明暗，也在其下面分小部的明暗。這樣一層一層劃分下去。
i:明部和暗部的中間不一定就是灰面，像在正方體中，灰面就是第三個面，而明部過去就是灰面 j:在一個面中有這樣和特點：越靠近邊緣就越暗，越到中間就越亮。 4:
a:在畫物體時候要注意去找出這個物體中間的線條，發現線條之間的關系，再用透視的原理去體現出來
b:這樣把一一個物體畫到另一個物體的面上，如果我要把一個人畫到帶有成角透視的正方體的一個面上，
把這個人看做是由一個個方型組成的，因為方型在透視中是很容易通過線條的長短體現出來的 這樣把方型還原成人的各個部分就可以成為一副人畫在上面了。 5:
素描一般指的是一個燈光，如果是幾個燈光，像舞台效果了，其實那樣用描也可以寫出來，但是那樣有失
素描的表現手法，現在的書上講的素描也一般是指那中只有一個燈光的情況，其實對於多個燈光的情況來說 一般是採用顏色的表現手發來表現。 6:
如果我畫的是一副室內裝飾圖，怎麼樣去表現出來，其實我覺得也是一樣的，把房子子里的燈光畫出來
在對裡面的物體一一分析，其實可素描練習畫素描一樣的，只是這里的物體多一些，而且形狀不一，
只要牢牢抓住黑白灰這個概念，就可以把裡面的東西給一一分析出其中的黑白灰，然後就可以畫出物體出來 7:高光點
怎麼理解這個概念，高光點一般是存在與那些玻璃製品的物體之中，因為這些物體反光比較強烈，高光點一般 為白色，但是應該注意的是，這裡面的白色也可以分深淺的，
8:畫一副素描畫是怎麼樣構思的： 首先的畫，觀察物體----》透視分析---》物體的黑白灰分析--》在紙上表現出來
9：能夠畫好一副素描畫，就可以說也能夠畫好其他很多的素描畫(像畫物體的) 10:怎麼樣畫好人體素描
掌握人體的結構---》根據圖象畫出輪廓--》畫出陰暗--》依此類推可以畫出其他的動物 11:學畫畫的步驟：
學透視-》畫簡單的幾何物體--》--》學畫頭部的各個器官--》畫人的頭像-》人的頭和上半身體-》畫整個人--》畫其他人和物 12:畫人技巧
畫人頭部分的大的陰暗，裡面又分了小的陰暗-《這樣細分下去》 13:怎麼樣抓人形：
抓住人的各個器官去畫，把各個器官畫准確，所以說畫人既有一定的相似性，也有一定的不同點 ,祝你成功
⑷ 2年級風景畫怎麼畫
風景畫，你可以先參照一下圖片，二年級不要求精細，但大效果要好！
⑸ 風景油畫技法
油畫技法，還是需要靠譜的學習地點，藝園之家網 圓夢學者
⑹ 風景油畫的寫實
寫實風景油畫作為多元的一元，其自身的藝術使命和藝術魅力在經歷諸多風雨之後，仍然不減它的風采。它更注重繪畫語言的表述，充分運用油畫藝術的載體來關愛人生，關注人與社會的關系。繪畫強調自我面貌的凸現。
寫實風景油畫手繪牆，首先要有超強的手繪牆功底，還要有一定的對材料的熟悉和掌握。
1.起稿，一般先起非常精細的圖形，然後對於圖片開始製作。
2.上色，顏色要比預計的要亮些，鮮艷一些。
3.上光。用調色油也可以，我們上學時就是用調色油。這樣把顏料放上去就不會吸油了。
寫實風景油畫中吸收了多種材質的運用，畫面的效果處理明顯優於其他繪畫。總之，寫實風景油畫有著不可抗拒的魅力，有著不可替代的功用，為使用者展現無盡風光。
⑺ 小學生繪畫作品（最好是風景畫）
⑻ 16-17世紀風景畫,靜物畫的相關文字資料.
、肖像畫家哈爾斯
在為當時的荷蘭人留下他們生動的形象方面，荷蘭繪畫三大師中最年長的哈爾斯(Frans Hals,約1581/1585--1666)取得了重大成就。他在哈萊姆城度過了一生，專門從事深受荷蘭人歡迎的肖像畫創作。
《微笑的酒徒》
(1628--1630)
哈爾斯喜歡生動活潑的效果，力求在動態中自然地展示人物的特徵，捕捉他們瞬間的神態，為此他運用了在當時極其大膽奔放的筆法，即迅速有力擺上畫面的筆觸塑造出一個個如生的形象。《吉卜賽女郎》(約1628)是他的畫法和風格的鮮明例證。與文藝復興盛行的莊重的肖像畫不同，他選取富於表現力的剎那間嬉笑神情來描繪，速寫式的輕快筆觸，活靈活現地點染出一位性格爽朗、歡快俏皮的吉卜賽女人形象，觀眾彷彿能聽到她的笑聲。他自由的畫法，可以與二多年後的印象主義者相比美。
群像畫在荷蘭特別流行，哈爾斯在確立這種肖像畫樣式上做出了巨大的貢獻。民團是荷蘭的一種武裝力量，各個城市的民團往往請畫家描繪成員集體的形象。哈爾斯為哈萊姆城民團畫過三幅群像畫，《聖喬治民團的宴會》(1616)是其中的第一幅。在這件歌頌性作品中，人物組合得較為自然，隨意而又不乏莊重，體現出他們集體的風貌。哈爾斯運用深重的黑色和明亮的白色來增加畫面的力度，使作品顯得相當明快。
2、倫勃朗
與專精肖像畫的哈爾斯不同，也與眾多局限在其一狹窄范圍內的荷蘭畫家不同，倫勃朗(Van Rijn RembrandtHarmense,1609--69)在各類繪畫體裁上都有驚人的貢獻，從創作的廣度和深度來看，他是當之無愧的最偉大的荷蘭畫家。
倫勃朗在故鄉萊頓城度過最初的藝術生涯，通過老師拉斯特曼，他認識了義大利美術，而卡拉瓦喬的明暗對照法，則大大有助於他找到自己獨特的造型語言。
《浪子回頭》
1669
《耶穌治癒病人》
1648-1650
17世紀30年代，他移居荷蘭最重要的城市阿姆斯特丹後，繪制了群像畫《杜普教授的解剖學課》(1632)。畫面上，一群人正聽著這位本名皮特松的著名解剖學家講課，明亮的光線落在杜普教授的面孔和雙手上，也落在每個人物的面孔和那具屍體上，而次要的一切則被投人在一片昏暗中。這種表現手法有力突出了塑造得十分真實生動的人物形象，它源於卡拉瓦喬，但更自然，更具表現力。
這幅畫使倫勃朗一舉成名，定件源源而來。1634年他娶了富家女莎士基姬。這一時期，倫勃朗享受著一位深受歡迎的畫家所能獲得的快樂和舒適。
《夜巡》(1642)
十年後，不斷探索的倫勃朗，創作了另一幅群像畫《夜巡》(1642)，把富於戲劇性的歷史畫因素引人其中，對荷蘭群像畫的程式進行了大膽改造。與看得清每個人物面孔的《聖喬治民團的宴會》和《杜普教授的解剖學課》不同，這幅畫絲毫沒有"照相"的意味，其中所有人物部從屬於集體的一次活動並受藝術效果的支配。倫勃朗特有的運用光線的手法，在這兒得到更充分的發揮，成為渲染氣氛、創造空間、強調重點、刻畫人物、塑造形體的有力手段。
傳說這幅畫的新穎之處帶給他不幸，雖不無誇張，但此後倫勃朗不再時髦，卻是事實。從他後來的創作成果看，似乎證實著我國古代流行的一種觀念--詩窮而後工。擺脫掉成功帶來的束縛，倫勃朗轉向了自己的內心世界，專注於營造自己的藝術天地。
在孤獨中，倫勃朗以自己和親友為模特兒，創作了一系列感人至深的肖像畫。倫勃朗克服掉早期有時難免的浮華氣息，不再考慮外在效果，一心一意捕捉人物的精神氣質，挖掘他們內在的美。正是這種追求更深刻更永恆事物的作法，使倫勃朗肖像畫具有了不朽生命力。把薩金特筆法瀟灑的名媛貴婦肖像擺在他的《自畫像》(約1665)旁邊比較一下，就更能讓人們體味到這一點。17世紀的肖像畫大家，各有其動人風采，但在展示人物豐富的內心世界方面，卻都不如倫勃朗。
←《自畫像》(1660)
注重表現人物內心世界的特色，也能夠在倫勃朗大量的宗教畫上看到。我們知道，在新教徒心目中，《聖經》是真正的精神之源，作為新教徒的倫勃朗是個宗教感情深厚的畫家，他反復研讀過這本聖書，他的真誠體驗和仁愛胸懷，使他筆下的宗教世界顯得格外摯朴、深沉、耐人尋味。在義大利的眾多宗教畫中，是找不到《基督在以馬件斯》(1648)、《浪子歸家》(約1669)這樣的作品的。
體現在他油畫作品中的關懷普通人的愛心，也流露在銅版畫《基督救治病人》(約1648--1650)上。倫勃朗是丟勒之後又一位版畫大師，但同丟勒相比，他的銅版畫顯得更簡括、更靈活。在某種程度上，它們與他那些極富表現力的素描有共同之處。這兩者也是他藝術遺產中極為珍貴的一部分。
3、風俗畫家和維米爾
在義大利那樣的國家裡，風俗畫可以說是不存在的;但在荷蘭，這種描繪日常生活場面的繪畫非常受人喜愛，不少城市都有自己的風俗畫家，其中以德爾夫特城的風俗畫家成就最為突出。盡管風俗畫再現了不同的生活場景，但它最偏愛的題材還是寧靜的家庭生活。
霍赫(Pieter de Hooch或Hoogh，1629--1684)生於鹿特丹，可他最著名的作品卻是在德爾夫特創作的。《庭院》(1658)這幅畫，以精確細膩的刻畫展示了荷蘭婦女的家庭生活。在整潔的庭院一角，一位母親拉著孩子走下台階，與此相反，過道中站立著另一位背向觀眾的婦女，這一明一暗、一動一靜的處理，在生動傳達令荷蘭人迷戀的和平舒適的生活理想方面發揮了不小作用。
←《衣櫥》(1663)
特爾鮑赫(Gerard Terborch,1617--81)也是再現安逸室內生活的能手。特爾鮑赫的最佳作品，主要是在他定居代芬特爾後繪制的。他特別擅長描繪絲綢等織物，表現它們特殊的光澤和質感。他以精細的筆法，津津有味地描繪室內農飾華麗的婦女和陪伴著她們的男子，為後人留下富裕荷蘭人生活一個側面的寫照。
另一些風俗畫家，如在法蘭德斯安特衛普工作的布魯威爾(Adrian Brouwer,l605/1606--1638)，以及哈萊姆的奧斯塔德(Adrian van Ostade,1610--1685)，則把精力放在描繪那些洋溢著豪放、粗俗的歡樂氣息的底層人生活圖景上，他們的創作道路，繼承了布呂蓋爾在16世紀確立的傳統。
倫勃朗的同鄉、奧斯塔德的弟子揚·斯丁(Jam Steen,1626--1679)是位創造力極為旺盛的畫家。為了維持生計，他經營了一個小酒店，這給他提供了豐富的創作素材。揚·斯丁精於敘事，這個特點不難在他大量表現熱鬧歡快的民俗場面的繪畫中發現。
面對這批荷蘭"小名家"的作品，盡管我們會欽佩他們生動再現生活場景、如實描繪物質世界的才能和功力，但總不免有種遺憾的感覺:他們的熱情是淺薄的、他們的世界是平庸的。當我們轉向維米爾(Jan Velmeer，1632--1675)描繪同樣場面的風俗畫時，就會清楚意識到，對一件藝術作品來說，題材並不怎麼重要，關鍵在於如何表現，在於從中顯示出的格調和境界。
維米爾生活和工作在德爾夫特，在荷蘭繪畫三大師中，他是僅次於倫勃朗的人物。維米爾留傳下來的作品只有40幅左右，其中多數都是繪畫精品。
維米爾描繪的室內生活場景極其單純，一兩個人物(往往是年輕婦女)靜靜呆在整潔的室內，光線從側面的窗子透射進來，將人物籠罩在均勻彌漫的透明空氣氛圍中。平凡的現實，彷彿得到凈化和升華，一切都顯得不同凡響，靜態的構圖、簡括的造型、明晰的空間、優美的色調、勻凈的光線，組成一個和諧靜謠的世界，從中散發出一種超然的、古希臘藝術般的清新氣息。
《畫室》
(約1665--1670)
與大多數風俗畫家不同，維米爾並不著力描繪情節和講述故事，他更關注形式，藉助它來創造一種詩的境界。他的畫筆彷彿具有神奇的魔力，畫面一經點染，就煥發出獨特的動人光彩，普通的生活變成了形與色的美妙組合。同倫勃朗一樣，維米爾也是用光的大師，但他並不追求戲劇的效果，而是要用光創造出一個結構明確，條理清晰的天地。他把一些鮮艷嬌嫩的亮色編織在這個天地中，從而給它添加了兒分妖媚的風致。《倒奶的廚娘》(約1663)、《稱珍珠的婦人》(約1665)、《拿水罐的少婦》(約1665)、《畫室》(約1665--1670)等作品，都反映了維米爾的特色。
維米爾和倫勃朗，都非專門化的風景畫家，但他們都創作過美妙的風景畫。維米爾的《德爾夫特景色》(約1660)放在任何一位荷蘭風景畫家的佳作旁邊，決不會顯得遜色，在這幅以水平和垂直線構成的作品中，他以平和的態度傳達出這座荷蘭城市寧靜的美。
4、風景畫家
爭得自由和獨立的荷蘭人，熱愛他們生活的國土，喜歡描繪祖國風貌的繪畫作品。在這種形勢下，一大批風景畫家應運而生，通過他們的努力，荷蘭風景畫得到蓬勃發展。像其它體裁的畫家一樣，這些畫家各有其擅長的領域，每個人往往守住他那受歡迎的題材，在這個范圍內反復挖掘。我們知道，在17世紀從事理想風景畫創作的法國畫家和義大利畫家，都是在畫室中憑記憶或速寫稿繪制風景畫的。荷蘭的風景畫家，盡管更忠實地表現自然的本來面目，但也是在畫室中從事創作的，真正面對實景寫生創作，那是很久以後的事。
戈延(Jan van Goyen,l596--1656)是第一代風景畫家中的佼佼者，他擅長表現江河景色。他的名作《鄉村景色》(約1645)，真實地再現了荷蘭的自然風貌。雲天占據著大部分畫面，壓得很低的視平線把觀眾與河邊景象拉近了，這種構圖方式，成為荷蘭風景畫中常見的手法。
與戈延同屬一代的薩恩列達姆(Pieter Saenredam,l597--1665)是一位很特殊的畫家。絕大多數風景畫家描繪的都是露天的自然景色，當他們表現建築物時，往往也是描繪它們的外觀。薩恩列達姆卻與此不同，他喜歡表現建築物內部。一看他那四壁潔白的《聖巴沃教堂》(1660)等作品，就會對崇尚簡朴的荷蘭新教精神有所體味。在這樣的環境中，無法產生義大利那樣的美術。薩恩列達姆精於再現建築空間的才能，在他一系列描繪教堂內景的作品上得到了充分發揮。
荷蘭風景畫全盛時期的代表人物，首推勒依斯達爾(Jacobvan Ruisdael,1628/1629--1682)和他的學生霍貝瑪(Meyndert Hobbema,1638--1709)。
勒依斯達爾生在哈萊姆城，1657年移居阿姆斯特丹，在那裡，他收了一批弟子，其中就包括霍貝瑪。勒依斯達爾描繪的題材較為多樣，在那些運用並不算怎麼豐富的色彩描繪的風景畫中，他生動地傳達出變化中的自然形態、光線、氛圍，並把主觀感受融入客觀景物。《哈萊姆風光》(約1670)以開闊的構圖展現出這個城市郊外的景緻，高遠的天空上移動著層層雲片，陽光從雲隙間投射下來，使地上的景色具有了強烈對比，整個作品於生動中洋溢著一種戲劇性感覺。
←《韋克的風車》(1665)
跟著名的老師相比，霍貝瑪的繪畫顯得更加平和。他的代表作《米德爾哈尼斯林蔭道》(1689)具有古典式的均衡和明晰，構圖處理有力地表現出空間的推移，使人獲得身臨其境的感受，成為運用透視法的典範。
←《米德爾哈尼斯林蔭道》(1689)
5、靜物畫家
作為獨立的繪畫品種，靜物畫是在17世紀才確立和流行起來的。雖然早在古羅馬出現過靜物畫，但繼承古典傳統的文藝復興時期的義大利畫家，從沒把它當作一回事。在這種態度影響之下，17世紀的許多畫家仍然很少從事靜物創作，只有荷蘭情況不同。由於熱愛家庭生活的荷蘭人對與此相關的物品感
興趣，促使不少荷蘭畫家投人靜物畫創作，從而使這個繪畫體裁在美術史上佔有了一席之地。
在哈萊姆工作的克萊茨(Pieter Claesz，1597/1598--1661)和海達(Willem Claesz Heda,l599--1680/1682)是描繪餐桌物品的名家，他們以精細的筆法表現出玻璃酒杯、金屬盤盞、餐刀及各種食物的形狀和質感。前者的《早餐用品》(1637)和後者的《靜物》(約1648)，能讓人看到他們的共同特色。
比他們略為年輕一些的黑姆(Jan Davidsz de Heem,l606--1683/1684)，也是位著名靜物畫家。同前述兩位畫家相比，他描繪的題材比較廣泛，構圖處理上更為輕松。
生於鹿特丹的卡夫(Willem Kaif,l619--1693)或許是荷蘭靜物畫家中最傑出的人物。他主要是在阿姆斯特丹從事創作活動的。卡夫的作品以善於用光布色著稱，整體上更加概括單純，從某種程度上，彷彿綜合了倫勃朗和維米爾的一些特點。
順便說一句，倫勃朗並非靜物畫家，但他筆法道勁的《剝皮的牛》(1655)卻是靜物畫的傑作，從中流溢出來的戲劇性激情和紀念性氣勢，都是上述靜物畫專家無法企及的。
⑼ 風景畫的繪畫技巧
1、由遠到近，分部進行法
水彩風景畫，多從遠到近、從淺到深、從虛到實進行渲染、描繪，這樣容易掌握干濕與色彩和明暗層次，色階的銜接過渡較自己然、柔和，對初學者也更便於掌握。不過，須注意掌握時間，否則前後時間差太大，色調與明暗就來統一，容易失調。特別早晚的景，日出日沒，首先要定下明與暗色光對比和位置，不然就難於准確表現特定的效果。 這種分部進行法，不能看一點畫一點，須有整體觀念，切勿孤立地摳局部，要盡量縮短「時光色彩」的差距，並加強色彩記憶，以便於補充與調整。
2、由近及遠，層次推移法
在有些特殊情況下，如時間極為勿促，或早晚橙紅色的陽光照射在險峻的絕壁與古剎上，出現一種神秘而絕妙的色彩與構圖，那當然即應揮筆捉住這瞬間即逝的景象，首先定下光感與色彩在景物上的位置、對比強度及冷暖關系，而後調整形體，再從中景到遠景、天空，這樣反推移完成。很明顯，這方法帶有強烈的速寫性，也須有一定繪畫基礎之後，才掌握得住。而這種或其他隨心所欲的方法、對搶鏡頭、抓色彩，是勢所必行的，否則按步就班地畫過來，偶現的景觀就早已景象全非了。
3、全面鋪開，統籌兼顧法
這種畫法，是先求「共性」，後求形象，要求有很強的整體觀念和預見能力；在進行中，看起來畫面有些零亂，實則步驟性是最強、最科學，是須有一定能力和經驗才能掌握的。
所謂先求「共性」，就是由淺到深地先抓基本調子（包括由淺到深的明暗關系與色彩傾向），即首先用淺色鋪出受光面的最亮部分，留出高光，然後用最具有畫面調子傾向的淺色由亮到暗，即由高光、亮部、次亮部、次暗部、暗部、最暗，再由淺到深，即次暗、次亮、亮部。又如色彩由淡黃、中黃、桔黃、桔紅、大紅、紫紅、青蓮……這樣循環推移，直到取得統一而豐富，表現出協調而有節奏的色彩與明暗關系為止。這樣，畫面的大體關系就基本完成了。
⑽ 風景畫多少錢
這要看是什麼人畫的，和畫的質量，這是有很大的區別的，少的二三百，多的就不好說了。