景色写意画

① 写意画的欣赏

写意画是传统中国画里令人赏心悦目的画种，它以淋漓的水墨，纵横的笔法、弥满的气势，使观者赞声鼎沸叹为奇观，并拥有广泛众多的欣赏者。通过画的立意叩动欣赏者的情意，产生回味不尽的画意是成败的关键。写意画有画无意，或叫人不解其意，莫名其妙，都处不上名副其实的写意画。
写意画讲究意，所以我们欣赏写意画也得捕捉画中的意，在回味不尽的意趣中得到艺术的享受，陶冶自己的性情。怎样更好的去理解意，最好的途径是从熟悉绘画技能入手，中国写意画往往是通过相当具体的绘画手段来塑造确立的。欣赏中国绘画创作应当按照南齐的谢赫的六条标准即六法，它们分别是：1、气韵生动；2、骨法用笔；3、应物象形；4、随类赋彩；5、经营位置；6、传移摸写。这里对六法的解释为：【气韵生动：指创作上主题明确，表现真实，形象生动。骨法用笔：指描绘形象上的笔致与线条。应物象形：指选择题材的合度，观察与描绘对象要深刻细致与正确。随类赋彩：根据不同的描绘对象，准确而必要的著色。经营位置：指题材上的取舍与组织，画面的构思与安排。传移摸写：指接受前人的传统】。
当然，欣赏是带着时代的眼光的，人们的欣赏情趣也有着时代性，在绘画的表现方法上不同、欣赏者也会提出不同的欣赏要求，画家本身欣赏画的时候一般偏重技巧，而欣赏者是为了丰富精神生活，陶冶情操，那么欣赏就偏重于画的内容及感染力，不管是从哪一点出发欣赏画，都需要久看细看，用一种研究的眼光来看，才能看出它的奥妙，达到欣赏的目的。有欣赏经验的人都知道，有的画初看印象不错，还想再看，但看了几次之后却会觉的这幅画没有什么意思，也有的画初看似乎平淡，但看了几次之后，你就会发现它有丰富的内在美。
在欣赏中国写意画时要把握以下几个特点，如此才会从中得到艺术的享受。 当你看画的时候，首先打动你的是它的立意是否生动，第一印象很关键，如感觉好才使你仔细的看下去，深入地研究下去，如果一幅画给你的印象是呆板的，它怎么能吸引你呢？立 意生动是一幅画给人的一种综合感觉，以欣赏的角度来看，我们所以能被一张画所感染，是因为它的内在美，而这种内在美是通过形式的美表现出来的。
古人说作画必先立意，所谓立意就是画的主题。画家在作画之前应把意放在笔先，通过绘画来表达他对生活的看法，把自然景色和个人的感情结合在一起。如画梅就要把梅花迎风斗雪和耐寒的品格画出来，画菊要有傲霜的精神，画竹要亭亭玉立，虚心有节，蒸蒸日上。立意的生动是中国画内在美的流露，这里即有画家的主观因素，又有欣赏者的主观因素，所谓画家的主观因素就是画家对所描绘的客观自然景象的观察、感受、体验，并把感情移入其中。所谓欣赏者的主观因素，就是欣赏者在看画时所产生的想象和联想。因为欣赏者看画的角度不一样，以及欣赏者本人的文化修养素质的高下都决定着欣赏水平的高低。如当代画家李苦禅画的墨荷，水墨淋漓，洒脱奔放。朱宣咸的红梅极其热烈、奔放、老辣、包容与大气磅礴的艺术风貌。袁振西将小写竟山水开创大写意突破前人,打通东西方直入当代抽家水墨.当代画家,尤中会的老虎，庞佳丽的山水，王海宝的梅花，任学之的牡丹，魏剑峰的松树，都开创了中国近代大写意的一代画风，看上去好像画家在横涂竖抹。有的欣赏者认为荷叶画的太离形，不符合自然生态的本相。把叶子改成用绿色就更好，从这一点充分说明了欣赏者的文化品位，一块水黑淋漓的石头，在有的人眼中可能是无情物，可是在特定的空间和时间里它却常常显现出一种特定的性格。
形与神形与神一直是中国画创作和欣赏所重视的问题，欣赏中国的写意画用自然景物作为标尺，是不全面的，追求表现对象的形体准确、逼真，并非写意水墨画的主要使命，写意画贵在得意，它不但写出对象的外形，更要写出对象的神情，同时也强烈地包涵着画家自身抒发的意境和意趣。只求形似，不是艺术。如动物和植物的标本挂图，可以画的非常准确，但没有人把它们挂起来欣赏。我们在欣赏中国写意画的时候经常看到画面的景物变形。这也是写意画通常运用的手段，变形犹如文学上的夸张手法如李白的诗句飞流直下三千尺，或平时人们激动时常说的心要跳出来了一样，它强烈、新奇但依然是自然而近情理。

② 写意画的介绍(150字)

写意画，是中国画的一种画法，即是用简练的笔法描绘景物。写意画专是融诗、书画、印属为一体的艺术形式。写意画注重用墨，一反勾染烘托的表现手法，以拨墨法写之。写意画强调作者的个性发挥。作画不拘常规，肆意涂写。写意画，简言之即是「以形就意」，描写一切自然景物概以主观精神，透过作者心领神会表现出来，而非仅是实质自然景物的呈现。古人谓「外师造化，中得心源」即是写意最好的说明，所以写意画是胸中之物，非眼中之物，以超脱形似谋求意境的再现。
我国自唐、宋代的文人画以来，写意画便成为绘画的主流。写意画家生平饱读诗书，胸怀豁达，富思想意识，他们经过写实技巧的严格磨炼，作画逸笔草草，力求笔情墨趣，将形似置于度外。

③ 求这幅写意画的高清 或者大图

没有了，这个就是原图

④ 写意画的种类有哪些

写意画主张神似，力张变现出所描绘景物的神韵。
写意画的种类大致分为写意回山水画、写意花鸟答画以及写意人物画.
1写意人物画，用墨画后，再上彩色，着色燎应慎重，依据人物的结构、明暗的关系来表达彩色，才能增加色彩的变化，活生生地反映人物的精神和表情。
2写意花鸟画，以高度概括、洗练为特征，不苛求工细致微，而是用简练的笔墨，概括的语言求其大形、大神、大意境，有着鲜明的艺术风格、独特的审美规律及特殊的笔墨语言和表现技法。
3写意山水画，山水画的画法是写实的又是意象式的，具有表现性。从实质上是用写实手法以求达到“极貌以写物”的境地。表现山川云树的质量感、空间感及季节与风雨雪等气象变幻之美，是山水画家潜心探求的重要课题。

⑤ 写意画的写意山水画

【笔墨的形态】
笔法指各种点、线、面的画法，而以线为主。
【线】
用笔有中锋、侧锋、顺锋、逆锋等变化，又以笔着纸以提按运腕动作的变化，可出现轻重、虚实、粗细、转折等用笔形态。中锋用笔是用途比较广泛的一种笔法，这种线条，运笔时笔尖始终在线的中间运行，具有圆润、厚实、壮健、沉着的特点，无偏枯纤弱之病。画以这种线条为主，易得醇厚、凝重的效果。侧锋是用笔横卧，笔尖在线的一侧运行，线条易得飘逸虚灵的效果。又以笔横卧直拖或逆拖，令笔尖在线的中间运行，又称为卧笔中锋，画出来又是另一种效果。再如逆锋线条比顺锋线条又更能达到涩重的感觉。总之，各种用笔方法，千变万化，在作画中，又往往随机应变，错综复杂交叉在一起，很难说清什么景物应该用什么笔法去表现。作画中，笔着纸上，横拖竖抹，瞬息万变，神幻莫测，有时一根线条兼有中侧锋的变化，顺逆虚实，中锋侧锋都要按写景的需要不断变化。要做到恰到好处，须靠平时的实践积累，用娴熟的技巧去灵活应用。
【点和面】
点和面是用笔的另一种形态，也是山水画中不可缺少的用笔方法。如点多用来表现树木叶子，树干和石面上的青苔，远山上的一点往往即代表一棵树，有时画长满丛木的峰峦，也用成片的点画出。因此，点的形态也千变万化，举其要者有尖笔点、圆头点、横笔点、直笔点、破笔点、个字点、介字点、松针点等等，被广泛地用来表现画中的景物。点的放大即是面，在画中有时需要用大块墨色在用笔时富有节奏地连续点厾，联成一片，就成了面。有时用点和面相间相叠，画出一座山峰的形态，或一片树木蓊郁茂盛的状貌，也是使用面和点结合的用笔方法。 与笔法密切相关的是墨法。一张好的画，墨色虽然深厚，但可达到黑而发亮，神采闪烁；有的画，调子虽然淡逸，但使人感到淡而见神，韵味醇厚。这些虽然在墨色效果上表现出来，但关键还是在用笔上。如上所述，如没有以力为基质的只用笔画成的墨块或墨线，只能是没有骨力的墨痕或墨团而已。用笔不当，用墨就容易发腻，浮烟涨墨充塞画面，用来表现景物，则黯然失神。所以，好的墨法，包含有色彩的观念。古人说“墨分五色”，即是比喻墨色与水混合后，运用高度的用笔技巧，在宣纸上产生干、湿、浓、淡的复杂而又微妙的墨色变化，这种变化，足以充分画出大自然丰富变幻的情状，蓊勃氤氲之气息，反映出山石林麓，云水浮动等各种自然现象的生动的神韵。中国画中以这种纯墨色来表现景物的形式就是水墨画，写生中，应充分利用这一水墨变化的特点来表现种种复杂变化的景物。
墨法分浓、淡、焦、湿、破、积、泼等诸种变化。各种墨法，在画中要综合运用，浓、淡、干、湿要形成对比。特别是破墨与积墨，更是山水画中的两种重要墨法，因为山水画要表现出景物的复杂层次，使人感到深厚，必须通过笔墨相叠、相间的对比互相识、破，造成笔中有笔，墨中有墨的效果。一般是先破后积，在作画过程中，根据表现景物的需要，或先用浓墨画，再用淡湿墨破，干后，视具体效果再在上面积，如此，不断反复积、破，直至感到已充分地把画意表达出来为止。在重叠笔墨进行积、破时，用笔要有骨力而肯定，笔路要清晰，笔墨要叉开，在反复积、破中，后一遍的笔路要顺着前一遍的笔路加，复加的线条要灵活松动，讲究笔意，努力做到笔与墨浑然一体，层次多而不乱，墨色有对比而不平。 笔墨本身，如一条线、一个点、一团墨块是不能说明它表现了什么东西，只有用它作为造型的手段，才能在画中化为具体的形象。所以各种变化的线条、墨块都要在作画时调动起来，为表现景物服务，做到构成景物和各个局部的笔墨都妥贴地、统一和谐地和形态、结构紧密结合在一起。如果笔墨不是很妥贴地依附在具体形象之中，再好的笔墨也要从画面中跳出来，破坏了画中形象和意境的塑造，这样的笔墨便成了败笔。
笔墨为表现景物眼务，首先反映在各种线条的刚、柔、挺、直、圆、曲、转、折等各种形态变化要适应景物形体的塑造需要。如画树干，其质感坚硬挺拔，形态曲折多变，树皮毛糙多疤，用笔时线条皴控就要松毛凝重，笔的转折处要直中带曲、柔中见刚，如果用状如游丝，软弱无力或者用剑拔弩张、平铺直拖的笔墨就画不出真实树木的质地感觉。画树木是这样，其他景物也是如此，如画云，其形态是轻盈飘荡，用笔就不能太粗重坚硬。反之，如画石，其质地厚重粗糙，笔墨就不宜太纤细柔软。总之，笔墨线条的运用，必须要根据表现景物的需要来灵活掌握。其次，笔墨的各种变化，如虚、实、轻、重、浓、淡、干、湿、粗、细、中锋、侧锋等在构形过程中要做到恰到好处。使画在每一部分结构上的线条都和谐地妥贴而有变化地和景物形体密切结合。画山石，各种笔墨变化，通过勾、皴、擦、染的方法组织在一起，按造型的需要，灵活运用，山石面的凹凸起伏、前后空间距离，转折处，都须用不同的笔墨变化去构成。山石如此，其他景物也一样，画树，构成树干的各部分线条都是按这样的原则组织在一起，使笔墨在组织中达到变化中求统一，更好地为表现对象服务的目的。其间，勾与皴要密切结合好，勾是景物的外轮廓，往往也是面的转折处，用皴来表现景物内部的质，与外部的勾相联系，勾皴互相结合，可充分地画出物体的结构和体积感。皴笔线条画得较粗重、较浓、勾勒线条较虚、较淡，这样笔墨较实的部分就凸出来，而较虚的部分就转了过去。这些笔墨构形的规律，我们应该在作画中好好去体会，不断积累经验。用笔要为表现景物服务，用墨也是如此。墨色的各种变化与用笔结合在一起，可表现眼前景物复杂状貌。如画烟云蒸蔚、草木丛生的感觉，则宜多使用湿墨、破墨、积墨，造成“元气淋漓嶂犹湿”的感觉。《大别山天堂寨》写生，为表现晚春季节山上草木滋生、岚气浮动、山色蓊郁的感受，就使用了破墨画法。先用干笔皴擦，接着趁湿再用水分饱满的淡湿墨大面积点虱，任其自然渗化，再视具体情况用浓墨破，加强层次，干后再在其上用积墨法进行整理，这样通过反复积、破，直到作品中景物形象被充分地表现出来为止。再如画中墨色浓淡的总体色调，对形成画面情调、意境也有很大的关系。色调淡，则易得淡雅清和的画面效果，色调深就给人一种深沉、幽邃的感觉。这些都需要在写生中为了表达对景物的感受而决定的。目的也是为了更充分地表现景物和画中的意境，因而它也是意匠经营的一个方面。还有一种焦墨山水，是纯以干笔焦墨来画的。墨的浓淡干湿变化虽然较少，但是利用笔法上虚实轻重的变化和笔法本身的情趣画出来，也可以达到有对比而不平，可表现出画面的一种特有的韵味和效果。王传林国画
在写生中，笔墨表现一般不拘于纯客观地模仿对象的光与色，而要着眼于捕捉它的形态、神韵和结构。首先，在总体气氛感觉上要与对象保持一致，尊重自己对景物的感受，接着努力设想用具体的笔墨去加以表现。用笔墨自身的变化规律，对眼前景物作能动的调节，即是用各种虚实、轻重、浓淡等笔墨，借助疏密、轻重、穿插、参差等构图上的形式美规律，按景物的结构特点来画。 虚、实、粗、细、浓、淡、干、湿等是笔墨本身的表现形态；疏密、聚、散、穿插、参差等是笔墨在构形过程中的组织规律，它们都和景物的形态与结构紧密结合，为造型服务。
作画时，笔触到纸上，在塑造艺术形象、抒发意境的过程中，笔下线条和墨点的盘旋、往复、曲折、顿挫，以及疏荡、绵密、断续、聚散、交错等等变化，都紧扣着对景物产生的刹那间的心境活动，在构形的同时，在笔墨线条的变化中，也流露了人的感情。因此，在画中，情、境、形、意、笔是一个统一体。
笔墨传情，是通过用笔的节奏、顿挫、迅速和各种笔墨形态的相互联结和呼应来体现，而笔的运动又是受作画时内心情感驱使命进行的。对景写生时，画者感情的来源即产生于现实景物对人的心的刺激，人因外界自然美的作用，有了作画的激情，在用笔墨去塑造具体景物形象的时候，笔下的各种笔墨变化必然糅和着画者对景物的主观感情，用这种富有感情色彩的笔墨去造型，人的感情也必然与画中的景物糅和在一起了。这种笔墨的特点，原是中国画优良的技法传统，中国画素有“一笔画”之称，在意念和情感控制下的用笔，就是要求笔墨之间点划传情。只有在写生中做到人的感情、意念与客观景物真正沉浸在一起，并以同样专注的感情来运用手中的笔，使情、景、笔、意达到高度统一的时候，笔墨的这种写景传情的作用才能被充分地发挥出来。作画时，根据造型的需要，在人的情感、意念指挥下，各种笔墨线条之间，通过呼应联系，相就相让，疏密穿插、变化平衡等形式美规律组织在一起，来表现景物的形态和结构，共同为塑造画面意境眼务。这种在人的情感控制下的用笔形态，即是笔墨中的笔意和笔势。笔有“意”与“势”，它赋予和倾注了笔墨中人的精神与情感。用这种富有情感的笔墨去造型，景物的形与神就得到了充分的表现。
笔墨的“意”、“势”迹化为画中的艺术形象，就表现为景物的形态气势的相互联结和呼应；反言之，即是要求画者面对景物，在充分感受到对象的动态气势、节奏韵律的基础上，用相应的笔意、笔势去进行表现，并努力把感受到的东西通过它传递出来。为峡江石壁的写生，面对景物时感受到石壁气势线条上的一种节奏律动，运笔时，则就按照对象给予的这种节奏感进行，努力把对象给予的这种节奏意蕴通过笔墨体现出来。
对景写生时掌握好这点，笔墨在造型中就取得了能动的地位，不会在写生中看一眼，画一笔，被动地追求模拟景物而造成笔死气断的状况。这要求画者在对景物作全面观察理解，尊重客观对象和画者自身真实感受的基础上，紧紧抓住景物的形、神、势，借助形象记忆，发挥笔墨特点，大胆落墨。笔落纸以后，再按笔墨出现在画面上的实际效果，根据造型的需要和笔墨组织的自身规律，不断作随机应变的调整。落笔时要心有定力，先后有序，笔笔生发，控制好笔墨的快慢节奏，画好一个局部再生发到另一个局部地逐层铺开，使画中的景物与笔墨一气呵成，浑然一体，这样气脉疏通，气韵也自然生动。其间，眼、脑、手三者要互相配合默契，构图、笔墨、造型、造境要紧密地联系在一起，尽量把眼前之景和在脑中蕴酿成熟的意象通过笔墨表现出来，使笔与景、笔与意达到高度的统一。 山水画写生通过笔墨来完成对景物形象的塑造，还表现在笔墨构成形式的探索创造上。笔墨构形原无定式，虽然景物客观存在，但可以根据各人不同的感受和理解。用不同的笔墨技法去进行表现，使画出来的效果更符合画者主观上的审美要求。同一景物可以用双勾法来画，也可用没骨法；可以用粗笔写意法，也可以用细笔工写法，作画中笔墨既可以这样组织，也可以那样组织，使画出来的作品既尊重客观存在，更尊重画者内心的主观感受。因为写生不是临摹，现实景物中没有现成的笔墨可资借鉴参考，在考虑如何用笔墨去表现时，自身失去了技法上的参照系。必须通过画者在写生时自己去思索，不断地在实践中进行探索、尝试，并从中不断积累经验、总结、提高。对初学写生者来说，在写生时可以借鉴平时通过临摹学习所得的技法，与客观景物进行对照，创造性地运用，但要避免机械被动地照搬他人所创的方法来硬套。作画时应有自己的想法，逐步学会在写生中融汇贯通地灵活运用既有的成法，进行改造、变通，技法在写生中经过这样一番消化以后，使它能更好地表达自己对景物的真实感受，从中不断总结出新的表现技法。这样，我们在不断的写生实践中才能逐步积累、不断发现属于自己的绘画语言，这也正是通过对景写生要达到的主要目的。

⑥ 有什么风景名画

中国的有：张择端的《清明上河图》 曹雪芹的《芹溪兰草图》董源潇湘图元人黄公望著名的“富春山居图”卷、
世界的有：Joseph Mallord William Turner. 透纳 以及 康斯太勃尔的系列作品都是著名风景画。
透纳：《海上渔夫》
《海上渔夫》便是透纳在皇家美术学院年展（1796年）上展出的首幅油画作品。那时，21岁的透纳已经凭他的古典风格水彩地志画小有名气，也颇受英国藏家喜爱。可年少心雄的他认为要确立画家名声，必要创作更成熟的油画。《海上渔夫》中渔船所在的位置是英国南部海岸线外的威特岛。透纳于1795年走访过该岛，画了大量关于海岸的速写和水彩画并收录于《威特岛速写集》。但少有人知道他曾悄悄创作下这样一幅技法和质量都不容忽略的油画。“船只在海面上自然漂浮、摇曳，水波荡漾，效果逼真。”当年在皇家美术学院展览评论导读中，这幅画因其自然主义的特色而获此赞誉。而细心的人还会欣喜地发现，在这幅早期的油画上已经出现了“透纳式”的剧烈漩涡结构的迹象。
《暴风雪：汉尼拔和他的军队越过阿尔卑斯山》
不满足于水彩画小写意的透纳，同样不甘心于单纯地把笔触瞄向自然。他一度醉心于借风景画表现历史甚至神话题材，在一个浓重的历史故事中拓展放浪不羁的想象。 那幅曾受世人瞩目的《暴风雪：汉尼拔和他的军队越过阿尔卑斯山》，无疑是这次展览最值得期待的。 这幅创作于1812年的画作展示给我们的绝对是一幅惊心动魄的画面：巨大的雪崩从天而降，明亮刺目又势不可挡，粗壮古老的巨树被摧残成残缺的树根横亘前景，延展的地平线上隐约看到传奇的大象。透纳描述了汉尼拔士兵和大象企图在一场灾难临头的暴风雪中翻越阿尔卑斯山的惊险场面，灵感则来自他1802年的一次阿尔卑斯山之旅。构图呈排山倒海的翻腾趋势，造成令人目眩的剧烈运动感，而急速的笔触仿佛令人幻听到轰隆的雪块崩塌的巨响。在画前不禁让人联想到汉尼拔征战罗马的历史，翻越阿尔卑斯山之后9万步兵、1万2千骑兵和几十头战象组成的汉尼拔的大军，只剩下2万步兵，6千多没有马的骑兵和一头战象。
不过，最能体现透纳艺术成就，却也最引人争议的是他晚年阶段的创作。生性富有幻想、带有凝重浪漫主义气质的透纳，年龄大了以后，却变得有些偏执，和人很少交往。最常做的事，便是一个人走出门去体验自然世界，再关起门来作画。
《诺哈姆城堡:日出》
虽然这个阶段，终生未婚的透纳，因为父亲的去世已经患上了轻微的抑郁症，并隐姓埋名住在情人的乡间茅屋里，可他却从未停止过作画，而且更加放纵色彩的运用。 《诺哈姆城堡:日出》和《日出:一艘船在海岬之间》，《风雨和速度-西部大铁路》等一系列作品中，画面已然成了抽象的色彩符号，几乎很难辨别出物体的轮廓。紧张的色调和瞬息的光影令画中物象隐身于海天、天地之间。大卫·皮派尔曾在《图说艺术史》一书中称他晚期的作品为“奇异的谜团”。然而恰是这个“谜团”，使透纳不仅跻身于英国画家的前列，而且对后来法国的印象派、抽象派绘画都产生了巨大的影响。

康斯太勃尔：干草车

《干草车》 是康斯太勃最著名的代表作。画面描绘了一辆运干草的马车，涉过一条浅溪，往林木深处的 《干草车》约翰·康斯太勃尔[1]田野走去。沾满露珠的树叶，闪烁着白色的反光；木栅围着的农舍，亲切朴素；淳朴的农人，肆意奔跑的小狗。这一切是如此自然、真实，充满爱与美感，没有一点矫揉造作。正如著名诗人和画家布莱克所说：“这可不是对自然的写生，这是灵感!”
《干草车》
1824年康斯太勃尔向在巴黎的世界博览会送去三幅作品参展：《汉浦斯戴特的荒地》、《英国的运河》和这幅《干草车》，轰动了整个巴黎美术界。这次展出对法国画家影响很大，其中最激动的是德拉克洛瓦。
在康斯太勃尔的画中，由于细小色块的并列所形成的对比关系，在不同的距离出现了强烈而统一的色彩，并且产生了振动的效果。德拉克洛瓦曾在日记中这样写道：“康斯太勃尔说他的田野中的绿色的特点是由许多不同的绿色产生的。一般风景画家的绿色的强度所产生的缺点是因为他们只用一种统一的绿色的缘故。他所说的田野中的绿色同样也适用于其他的色调。”这幅画是康斯太勃尔描绘田园风光的代表作品。以他的绚丽而浑厚的色彩，抒情诗般的笔触色调和真实的描绘令人陶醉。从深远透明的云层中透现出来的阳光洒在树梢和绿草地上。近景着重描绘农舍和古树及一条小河流，一辆大车正涉水而过，引得小狗狂吠。这幅的天空画得极美，透明滋润，不同色彩的云朵像天鹅绒似的在天际飘浮滚动，清澈的河水中映出美丽的天空、古树和房舍，更加增添了乡村的恬静，整个画面充满阳光，充满农村的生活气息。
白马

《白马》约翰·康斯太勃尔[2]康斯太勃对自己的创作是这样解释的： “我生来就是为了描绘更幸福的大地——我的古老的英格兰”。正是出于对祖国的爱，才能创作出像《干草车》这样充满感情的作品。他正是以这种清新、自然的风格向僵死的学院派古典主义挑战。他的其它作品还有《白马》、
《斯特拉福特磨坊》、 《水闸》、《斯托尔小景》、 《滑铁卢大桥的揭幕典礼》等。他在56岁时所作的《滑铁卢大桥的揭幕典礼》一画中，大胆地使用了十分鲜明的色彩，以求表现光和影的效果，被认为对印象画派有重要影响。此后，由于健康日益恶化，他只能从事水彩画。1836年，他向皇家美术学院送去了最后一幅油画《克利奥顿纪念碑》。1837年3月31日，因心脏病猝发而与世长辞。
《斯陶尔河旁的费来福磨坊》 《斯陶尔河旁的费来福磨坊》[3] 《斯陶尔山谷和泰德汉村》康斯太勃尔[4] 大自然是康斯太勃尔最好的老师，他认为绘画要有真实感，唯一只有向自然学习。看得出这是一幅对景写生的画，在他以前的那些英国风景画家中，还没有一个人象他这样把画架摆在那些平凡而诱人的景色面前，用充沛的热情去描绘多彩多姿的大自然:急速飞动的朵朵白云、池塘边的房舍和玩耍的孩子，唤起了人们热爱生活的情感。
《斯陶尔山谷和泰德汉村》
早在童年时代，故乡的美丽景色已经启发了康斯太勃尔，他曾竭力用画笔把它们描绘。他曾这样回忆故乡： 《威文侯公园》约翰·康斯太勃尔[5]“四周美丽的景色，缓和的斜坡、散布着牛群和羊群的肥沃草地、耕耘得很好的高地、村庄和教堂、田园和茅屋、树林和河流，所有这一切，给予这个特殊的地方以任何地方也难找到的那种优雅和美丽。我的童年时代所处的这种景色使我成了一个画家。”这幅画中的景色不仅展现了画家故乡的美，也寄托着对故乡的深情。
《威文侯公园》
在康斯太勃尔的画中，大自然是以它本来的正常状态而出现的。质朴、诚实和真实是它的特点，他从来不梦想着去描绘或者追求他没有见到过的和完全不理解的东西，他喜欢描绘缓慢飘动的云彩，它那宁静的、透明的淡蓝色的天空充满大气的美妙。从云层里透现出的阳光洒在大地上、浓密的林木，斜坡上绿茵茵的草地，悠闲吃草的乳牛群，水面上戏水的鹅，渔民在撒网，这一派令人陶醉的景色虽不是天堂却胜似天堂。在这幅画中阳光和空气已成为画家探求和描绘的主体。 《汉浦斯戴特的荒地》约翰·康斯太勃尔[6] 《汉浦斯戴特的荒地》
康斯太勃尔喜欢画蓝天白云下田野的景色。他在画天空时，总是记下日期、风向和时间，因此他画的天空不是简单的色彩排列，而是具有生命的形象，他说：“天空应该而且将成为构图的有效部分。如果天空不是主调，不是情感的主要器官，就很难评价风景画的高低了。”这是一片天空占主体地位的具有广阔视野的景色，起伏层叠的丘陵地带，高低不平的无规则的坡地已有许久无人问津，任人践踏，但它仍然蕴含着生命。画家运用精细的笔触和色彩真实地描绘了不同对象、不同质感的荒地壮貌，又以流畅起伏的曲线画原野，令观者心旷神怡。

⑦ 引用怎样欣赏中国写意画

元代吴镇论画有云："墨戏之作，盖士大夫词翰之余，适一时之兴趣，与夫评画者流，大有寥廓。写意画讲究意，欣赏中国绘画创作应当按照南齐的谢赫的六条标准"即六法，它们分别是：1、气韵生动；2、骨法用笔；3、应物象形；4、随类赋彩；5、经营位置；6、传移摸写。这里对六法的解释为：气韵生动：指创作上主题明确，表现真实，形象生动。骨法用笔：指描绘形象上的笔致与线条。应物象形：指选择题材的合度，观察与描绘对象要深刻细致与正确。随类赋彩：根据不同的描绘对象，准确而必要的著色。经营位置：指题材上的取舍与组织，画面的构思与安排。 在欣赏中国写意画时要把握以下几个特点，如此才会从中得到艺术的享受。 立意 古人说作画必先立意，所谓立意就是画的主题。画家在作画之前应把意放在笔先，通过绘画来表达他对生活的看法，把自然景色和个人的感情结合在一起。如画梅就要把梅花迎风斗雪和耐寒的品格画出来，画菊要有傲霜的精神，画竹要亭亭玉立，虚心有节，蒸蒸日上。立意的生动是中国画内在美的流露，这里即有画家的主观因素，又有欣赏者的主观因素，所谓画家的主观因素就是画家对所描绘的客观自然景象的观察、感受、体验，并把感情移入其中。所谓欣赏者的主观因素，就是欣赏者在看画时所产生的想象和联想。因为欣赏者看画的角度不一样，以及欣赏者本人的文化修养素质的高下都决定着欣赏水平的高低。如当代画家李苦禅画的墨荷，水墨淋漓，洒脱奔放，开创了中国近代大写意的一代画风，看上去好像画家在横涂竖抹。可是在特定的空间和时间里它却常常显现出一种特定的性格。 形与神 形与神一直是中国画创作和欣赏所重视的问题，欣赏中国的写意画用自然景物作为标尺，是不全面的，追求表现对象的形体准确、逼真，并非写意水墨画的主要使命，写意画贵在得意，它不但写出对象的外形，更要写出对象的神情，同时也强烈地包涵着画家自身抒发的意境和意趣。只求形似，不是艺术。如动物和植物的标本挂图，可以画的非常准确，但没有人把它们挂起来欣赏。我们在欣赏中国写意画的时候经常看到画面的景物变形。这也是写意画通常运用的手段，变形犹如文学上的夸张手法如李白的诗句"飞流直下三千尺"，或平时人们激动时常说的心要"跳出来"了一样，它强烈、新奇但依然是自然而近情理。 构图 写意画的构图，通常要随手拈来而清新不俗。看一幅画的好坏应掌握两个主要方面的内容：①虚实：中国画里虚实关系可以说无所不在，贯穿在一种艺术的始终，没有虚实的辩证统一艺术就失去了节奏，失去了变化，失去了发展。宾主、疏密、轻重、大小、纵横、开合等等绘画法则，都是从虚实出发，根据虚实的要领进行构图处理的。以虚带实，以实带虚，虚中有实，实中有虚，虚实结合才产生无穷的变化来，有景为实、无景为虚，这是指画面上的虚实；有景、有情，有意化为虚，化虚为实，这是指创作者的构思与欣赏者的联想。②奇特：构图的不平凡总是发源于画家不平凡的构思。作为二十四番花信之首的梅花，先春而绽，傲霜斗雪，冰清玉洁，疏影清雅，暗香宜人。尝观陈简斋墨梅诗云：'意足不求颜色似，前身相马九方皋。此真知画者也"。比如李煜的“清香更何用，犹发去年枝”，李清照的“浓香吹尽有谁知”，王安石的“墙角数枝梅，凌寒独自开”，陆游的“驿外断桥边，寂寞开无主”及“雪虐风号愈凛然，花中气节最高坚”等等。因了这些缘故，我对梅似乎多了一份敬而远之之心，使我对梅似乎有了另外一种感悟。可见艺术离不开奇思妙想，离不开艺术天地里特有的真实性。 笔墨 笔墨是中国写意画的主要特征，是由中国画有一套完整的笔墨工具所形成的。一幅画里笔和墨如同骨肉，不可分离，欣赏一幅画用墨水平高下，要看用墨是否灵活，还是呆板，用墨没有干湿、浓淡的变化，乱成一片，没有光彩叫做融会贯通墨，相反用墨灵活，变化多端，叫做活墨。笔墨是相通的，墨色在中国绘画里似乎能替代一切原色，比如梅兰竹菊多用墨色画线，如郑板桥擅长书法和绘画，相互参融，以画法作书，又以书法的笔法作兰花，风格明快劲峭。清人蒋士铨评曰："板桥作字如写兰，波磔奇古形翩翩；板桥写兰如作字，秀叶蔬花见姿致。" 这出神入化的水墨表现令人痴醉。 成功写意画家的用墨使欣赏者懂得，一张水墨画的高下不但要看画家抖擞的气魄，更要看他透过随意的精心刻划而表现出的胆力和闪烁的魂灵。 诗与画 诗和画有姊妹艺术之称，看了一幅画就像读了一首诗。所谓"诗中有画，画中有诗"，是提倡诗和画都要追求一种美妙的意境，一幅成功之作，它给人的不只有景而且有情，有情与景的交融，这就是所谓一片自然风景是一个心灵的境界。 写意画强调作者的个性发挥。作画不拘常规，肆意涂写.《郑板桥集补遣》金冬心画竹也是喜"乱"，曾言：" 用焦墨竿大叶，叶叶皆乱." 写意画多以书法的笔法作画，同时写意画的用笔也极大地丰富了书法的表现形式，所以写意画家多半是书法学。 以菊入诗，借菊花抒写品格、性情、魏晋陶潜以“采菊东篱下，悠然见南山”自怡，潇洒于归隐和超迈；而后南宋李清照低吟“廉卷西风，人比黄花瘦”，抒发国破流离的凄惋； 以菊入画，寄情于笔墨，在中国画的发展中，花鸟画独立较晚，南北朝以前一直是人物、山水的陪衬，只能屈居于一角或半边，直至南北朝才成为独立的画种，五代时期才趋于成熟，出现徐黄两个画派。但是这两个画派都是以写实为主，直至苏轼提出诗画一律，花鸟也应有感而绘，才引发了花鸟画的变革，入画的菊花也才有了人的品格和情感。 作为情与景的交融，诗和画都有着同样的要求。"远上寒山石经斜，白云生处有人家，停车坐爱枫林晚，霜叶红于二月花"。这是诗，但读起诗好像又似一幅画。一幅成功的画，可把观者带到诗的境界中去，一幅出色的中国写意画，配以书法、诗文、印章，就能蕴蓄深厚博大的意境。 中国写意画本身就是多方面艺术修养渗透、补充而成的综合艺术，有的画初看似乎平淡，但看了几次之后，你就会发现它有丰富的内在美。因而从欣赏的角度应具备以上诸方面的体验，这样才能真正获得艺术的欣赏力，从中得到其艺术享受。

⑧ 水墨画与写意画有什么区别

中国画里一种画的两种叫法，水墨画就是写意画，水墨写意画亦称水墨画。写意画有敷丹青的，也有纯水墨的，是谓墨分五彩。

⑨ 什么是写意画法

写意画是与工笔画相对而言的一种画法。它要求用粗放、简练的笔墨，画出对回象的形神，答来表达作者的意境。据传唐代的时候，玄宗命令画家李思训和吴道子，一起在大同殿描绘嘉陵江的山水。李思训是擅长工笔重彩的，他用了几个月的工夫完成这幅壁画。吴道子则在一天之内就画成三万余里的嘉陵山水，这可以想象，他不可能用工笔重彩的技法来画，一定是比较粗放、简练的。这说明那时的绘画已经有了工笔、写意的区别了。到了宋代，苏轼提出“士人画”，主张画画“不求形似”，而应写情寄意，以表达作者主观的思想感情。他留下的绘画作品只有一幅《枯木图》，画一株枯树、一块顽石，石后露出一、二枝竹子，树下几根细草。这幅画抒发他政治上不得意的思想感情，但大书法家却给以极高的评价，说枝干“虬屈无端倪”，石“亦怪怪奇奇，如其胸中蟠郁也”。元代以后，笔法简练、造型生动、酣畅淋漓、讲究意趣的写意画大盛。
这样，写意画就同遵守传统、恪守法则的工笔画形成了风格迥异的两大派，长期地在画坛上争相辉映，代代地相传下来。